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Dersu Uzala (El cazador: Kurosawa, 1975)

Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: de Autor
Título de un libro escrito por Vladímir Arséniev, en el que narra su encuentro con Dersu Uzala, un anciano cazador de la tribu china Hezhen, su relación de amistad y el profundo respeto por la humanidad de Dersu, aunque fuera de una cultura totalmente distinta a la suya. Dersu era nómada y animista, entablaba una relación con la Naturaleza de igual a igual, sin intentar imponerse como hace la Civilización Occidental. Este libro está considerado en Rusia como un clásico.

Dersu Uzala (Дерсу Узала) es, también, el título de una película basada en el libro de Arseniev. De producción soviética y dirigida por el japonés Akira Kurosawa. Fue rodada durante 1974, en los escenarios naturales que recorrieron Dersu y Arseniev, bajo condiciones meteorológicas adversas para la grabación de una película. Ganó un Oscar en 1975 como «Mejor película de habla no inglesa» (bueno: ¿desde cuándo todo debe ser de habla inglesa? ¡carajo!) Ayudó a la difusión en Occidente del libro homónimo. Fue interpretado por Maksim Munzuk.(asegún WikipediA)

Ya en 1961, los rusos llevaron a la gran pantalla, la vida de este peculiar cazador (Dersú Uzalá) nómada, animista, de aspecto simiesco y piernas arqueadas, perteneciente al pueblo nanai, antiguamente conocidos como "golds" de la taiga plagada de bosques de coníferas, entre cedros y pinos del Lejano Este Ruso, entre Siberia y el océano Pacífico; de la mano del cineasta ruso Agasi Babayan y basada en los libros del científico y explorador soviético Vladimir Arsenyev, durante sus viajes (1902-1907) con fines cartográficos a la región de Ussuri, bañada por el río del mismo nombre, que transcurre entre el noreste de China y la citada región del Lejano Este Ruso.

Con el prestigio un tanto tocado sobre todo en su país natal, el extraordinario cineasta, productor y guionista nipón Akira Kurosawa, retoma esta maravillosa epopeya por los edénicos paisajes de la taiga siberiana, azotados de forma inmisericorde en las duras estaciones del otoño e invierno, por unas cruentas condiciones atmosféricas, en donde los expedicionarios rusos comprobaron en carne propia, la verdad universal que el entrañable cazador gold se encargó de demostrarles al paso de los días; que el ser humano es un grano de arena en el esquema del cosmos.

Kurosawa alterna planos cortos con planos largos a su entero antojo, elimina el uso de varias cámaras e incluso el zoom y se centra en visiones panorámicas, haciendo uso en el estudio de diversos ángulos que dieran el aspecto de composición fragmentada, abusando del teleobjetivo como en él era costumbre y narrándonos de manera magistral, elíptica y sin nigún tipo de alarde barroco, en formato 70mm, con diálogos concisos y lacónicos, las maravillosas enseñanzas animistas de este humilde ser humano; espíritus que habitan seres animados e inanimados.

La Bamba, el señor de la jungla es el poderoso y amenazante tigre, a quien él cree haber importunado justo cuando era habitado por el espíritu del Bosque, y en sus últimos días, antes de caer ciego y regresar a morir a su querida Primorsky Krai, vivió obsesionado y crispado (al clasificar el género humano entre gente buena y gente mala) con la idea de la venganza de aquel espíritu omnímodo.

Nos enseñaba además, que el fuego de la hoguera al crepitar nos susurra cosas al oído, que cuando los pájaros cantan, la tormenta amaina y se anuncia el sol.

Dersu aprende constantemente, es de naturaleza buena ("sal, cerillas y arroz para los que vengan detrás...").

Causa empatía y conmiseración contemplar a Dersu en sus días finales, incómodo en la habitación de una confortable casa de ciudad ("La ciudad asfixia"). Y esa fría habitación de huéspedes, en casa de su íntimo amigo Arsenyev, nos parece aún más fría que esas gélidas noches de ventisca en la taiga siberiana, cuando uno debía apresurarse a construir una morada inmprovisada a base de hojarasca.
(OjO: la video te manda a YouTube y ahí lo puedes ver en Pantalla Completa)

Muchas veces me he sentido como Derzú, cuando visito las grandes urbes... como el capitán Arseniev, llegué verde a la Selva centroamericana, a fines de los años cincuenta. Conocí a Samuel, tigrero de profesión y borracho por elección, quien me enseñó a dejarme guiar por la Naturaleza. También viví en carne propia el resultado de matar a un Tigre...(así llamamos al Jaguar en nuestras selvas, cada vez más escasas ...) y no pasó a mayores, porque también es mi Espíritu Protector... vean mi blog !¡ Regalo de Cumpleaños ¡!.

Jean Loup, cazador descalzo entre tanto milUsos ...

el Árbol (the Tree, 2010)

"La Vida es una Fuerza de la Naturaleza"

Puntos:★★★★
Categoría:Cine
Género: Familiar
Directora y escritora:Julie Bertuccelli
Coproducción:Francia y Australia



Cual si tuvieran vergüenza de proyectar algo excelente, los canales satelitales gringos de MovieCity, programan lo mejor a impías horas de la madrugada.

Para nosotros los "desrutados" (descarrilados en castellano, desarraigados en inglés o indeseables en todas las lenguas), nómadas, marginales, migrantes e ilegales, ésta es una historia cautivadora. No veremos aquí ningún efecto de computación; ni dobles extraordinarios en azañas cirquenses, sustituyendo a malos actores que, mientras se pintan las uñas, preparan su perfil izquierdo para el close-up. NO. Nada de Jolivud-Heces.

La locación en Queensland, Australia, es perfecta. La actuación de madre e hija, es insuperablemente humana. La presencia de la Muerte pesa en la cotidianidad familiar, dando como es su costumbre, lecciones de Vida. Muy bien lograda la incertitud de sobrevivir un huracán, tan sobrecogedoramente bello y destructor a la par, cuando estás irremesiblemente inmerso en su desarrollo.

De lo mejor que he visto, aunque sea a las cinco de la mañana. Ni me dejó escuchar los pajaritos, rogándole al Quinto Sol secar nuestra hacienda, tan nocturnalmente llovida que ni la banda ancha conectaba (¡otro poco y ni reseño ésto hoy!).

"El Árbol" fué escrita y dirigida por Julie Bertuccelli, basándose en un guión de Elizabeth J Mars; producida por Sue Taylor de Taylor Media, Yael Fogiel y Laetitia Gonzalez de Les Films du Poisson; la película es una co-producción entre Australia y Francia.

Dicha coproducción, empezó cuando un amigo cercano le regaló a Julie Bertuccelli, el libro "Our Father Who Art in The Tree" (Padre Nuestro que Estás en el Árbol). Cuando buscó los derechos de autor para hacer la película, descubrió que pertenecían a la productora australiana Sue Taylor, quién carecía de director. Al ser Julie una directora, cuajó ésta coproducción.

El árbol de la película es el Árbol de Teviotville, un pueblito del estado australiano de Queensland. Abarca 34 metros a su alrededor, con 20 metros de alto y el diámetro más delgado de su tronco es de 2.31 metros, a un metro del suelo.

El árbol tiene ramas bajas sin podar que, cuando se llenan de frutos, tocan el suelo. Ésto es muy raro para una Higuera de la Bahía Moreton (Ficus macrophylla). Se estima que lo plantaron en 1880.



Fuentes: http://www.thetreefilm.com/
WikipediA: The Tree (2010 film), Ficus macrophylla

El último tren (Corazón de fuego - 2002)


Puntos:★★★★
Categoría:Cine
Género: Drama

  • TITULO ORIGINAL: El último tren (Corazón de fuego)
  • DIRECTOR: Diego Arsuaga
  • AÑO: 2002
  • DURACIÓN: 93 min.
  • PAÍS: Uruguay
  • GUIÓN: Diego Arsuaga & Fernando León de Aranoa (Historia: Andrea Pollio & Andrés Scarone)
  • MÚSICA : Hugo Jasa
  • FOTOGRAFÍA: Hans BurmannAdrián Biniez
  • REPARTO: Héctor Alterio, Federico Luppi, Pepe Soriano, Gastón Pauls, Balaram Dinard, Saturnino García, Eduardo Migliónico, Elisa Contreras, Jenny Goldstein, Alfonso Tort, Fred Deakin, Herbert Grierson, Eduardo Proust, Guillermo Chaibún, Virginia Ramos, Jorge Bolani
  • PRODUCTORA: Coproducción Uruguay-España-Argentina; Rambla Producciones / Telefé / Patagonik Film Group / Tornasol Films / Taxi Films
  • SINOPSIS:
    Un poderoso estudio de Hollywood ha comprado para su próxima película una histórica locomotora uruguaya del siglo XIX. Aunque la noticia es motivo de orgullo para muchos uruguayos, no tiene la misma acogida entre los veteranos miembros de la Asociación Amigos del Riel.
    Decididos a boicotear el traslado de la locomotora a Estados Unidos, tres de ellos y un niño emprenderán una loca aventura que comienza cuando secuestran la máquina y, con la consigna: "El patrimonio no se vende", se lanzan a recorrer las abandonadas vías del interior del país, arrastrando detrás de ellos una cadena de acontecimientos que van desde la persecución de las autoridades hasta la solidaridad de los pueblos que, abandonados por la falta de un medio de transporte que dejó de correr hace tiempo, ven en ellos una luz de esperanza.

    "Maravilloso filme uruguayo compuesto en clave de western. (...) lleno de vigor, hermosísimo y de gran pureza"
    (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

    "Historia cargada de sentimientos, recuerdos de un tiempo mejor, y la defensa a poder conservarlos. Muy buena fotografía, maravillosa puesta en escena, con personajes muy bien logrados, les otorgo un 10."

    (FILMAFFINITY)
Cuando cumplí 8 años, mi padre permitió mi acceso a su maqueta de trenes H0. No eran juguetes propiamente dichos, sino modelos a escala (Märklin, Trix,..etc)  con funcionamiento eléctrico. Los cambios de vía, controlados desde un panel como treminal de estación real, también cambiaban los semáforos del verde al rojo, a la par que dejaban muerta la vía en rojo; si un tren circulaba se detenía evitando el choque. Y varias funciones más; como la terminal de locomotoras en media luna con un tramo de vía que giraba a 360º para escoger hangar, los guardavías que bajaban y subían con el paso del tren, funciones de carga y descarga en las terminales, el armado de un tren con la locomotora de patio...y control independiente a dos trenes en la misma vía: uno recibiendo energía desde la vía (como todos los trenes eléctricos miniatura) y el otro recibiendo energía desde la catenaria (típica de Europa la catenaria, en América no hay - que yo sepa). Claro que tenía que ser una réplica de locomotora eléctrica: ¡las de vapor nunca conectan con la catenaria!

Armando y conectando todo me volví electricista experto: hoy en día cuando desarmo PeCés o Lapas para cambiar o añadir tarjetas; o bien cuando conecto el Satélite con la caja negra, a los televisores, aparatos con sonido envolvente y respectivos DeVeDés; es gracias a un oficio que comencé a los 8 años.

Cuando cumplí 10 años, me regalaron un motorcito de vapor para mi Mecano. Funcionaba con alcohol y había que seguir todo un procedimiento; desde calentar, levantar presión al vapor hasta funcionar conectado en alguna maquinaria armada con mi Mecano e ir añadiendo combustible, mantener el nivel de agua...¡como pasa en éste último tren!

Por ello, añadiendo que en mi juventud TODOS los trenes de España eran a vapor, así como cuando recién llegamos en México también, "El último tren" despierta grandes nostalgias guardadas por mi corazón.


ORFEU NEGRO (1959)

Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: Clásica

Tenía mis 16 años, cuando llegó Paulette (amiga de mi madre durante la Ocupación Alemana) desde la Françe, para encargarse de nuestra casa, mientras mi madre viajaba por cosas del trabajo. Descubrí que Paulette era una violadora consitudinaria, fanática practicante del Kama-Sutra.

Fuimos a ver ésta Película ... no quise ir cuando supe que era musical: ¡los bodrios hollywoodenses me habían hecho ALÉRGICO a los musicales! Casi arrastrando, Paulette me llevó (yo era su intérprete, pues no hablaba Español 'la pobrecita') y hasta la fecha, ésta Obra de Arte me llega al corazón como ninguna otra.
Comentarios de Wikipedia:

Ganó la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1959, y en 1960 los premios Oscar y Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera.

En 1999, Carlos Diegues hizo un remake de esta película titulado Orfeu, cuya banda sonora fue producida por Caetano Veloso.

En 2005, coincidiendo con el "año de Brasil en Francia", René Letzgus y Bernard Tournois exhibieron en el festival de Cannes su documental "À la recherche d’Orfeu negro" "(En busca de Orfeo negro), que explora la repercusión social que ha tenido Orfeo Negro en Brasil hasta la actualidad. Sobre todo en lo que respecta a la internacionalización del carnaval, la samba, la bossa nova y la obra de Vinicius de Moraes.

En él, ofrecen su testimonio importantes personalidades de la música y la cultura brasileñas; como Gilberto Gil, Milton Nascimento, Carlos Diegues… y el propio Breno Mello, el actor que caracterizó a Orfeo. Éste documental lo rescató del olvido en que vivía pobremente, en una humilde casa de Porto Alegre. Le permitió asistir por fin al Festival de Cannes, donde recibió un homenaje 46 años después de la gloriosa presentación de la película de Camus.

El destino (desconocemos si el de los mitos griegos) determinó que los actores protagonistas de Orfeo negro, Breno Mello y Marpessa Dawn, fallecieran el mismo verano de 2008; si bien él el 11 de julio en Porto Alegre y ella el 25 de agosto en París, casi 50 años después de haber encarnado la relación entre Orfeo y Eurídice en el cine. Tal vez por aquéllo de que a la vida se le antoja emular al arte...

Pascualino Sietebellezas (Pasqualino Settebelletzze, 1975)

Puntos:★★★★
Categoría:Cine
Género: Drama
Argumento

Nápoles en los años 30. El taimado y oportunista Pasqualino, intenta por todos los medios hacer carrera en la camorra, para alcanzar una posición de relieve dentro de su clan. Irónicamente apodado “Settebellezze” (siete bellezas), por sus hermanas tan feas, este pendenciero quiere rescatar su propio honor, amenazando al hombre que ha obligado a prostituirse a una de ellas, pero no consigue ningún resultado.

Cuando los dos se encuentran de nuevo, el rufián muere accidentalmente y Pasqualino, presa del pánico, despedaza el cuerpo y lo coloca en tres maletas que intenta enviar lejos. Sin embargo, el engaño no dura mucho: el homicida es sometido a juicio y condenado a doce años de cárcel en el manicomio criminal de Aversa.

En 1940, cuando Italia entra en la segunda guerra mundial, le ofrecen a Pasqualino la oportunidad irrenunciable de alistarse como voluntario en el ejército y reducir su pena combatiendo por su país. Los horrores de la guerra son insoportables y el soldado cobarde huye de Rusia con su amigo Francesco, hasta que ambos son capturados y encerrados en un campo de concentración.

Aquí Pasqualino conoce a un anarquista español y con él asiste a los horrores del nazismo. De todo ello saca una única, importante lección: para sobrevivir, tiene que servirse de su encanto y seducir a la horrible mujer que manda en el campo de concentración. Se convierte así en kapó: pero antes de que los aliados lleguen a salvarlo, es obligado a cometer un último acto de cobardía matando a Francesco.

De vuelta a Nápoles, le espera una desagradable novedad: la madre y las hermanas se están dedicando a la prostitución y desean que participe en sus negocios. Para Pasqualino empieza así una nueva vida.

Género:
Comedia / Drama

Nacionalidad:
Italia

Productor:
Arrigo Colombo
Giancarlo Giannini
Lina Wertmüller

Guión:
Lina Wertmüller

Fotografía:
Tonino Delli Colli

Música:
Enzo Jannacci
Director:
Lina Wertmüller

Actores:
Giancarlo Giannini
Fernando Rey
Shirley Stoler
Elena Fiore
Piero Di Iorio
Enzo Vitale
Roberto Herlitzka
Lucio Amelio
Ermelinda De Felice
Francesca Marciano
Mario Conti
Barbara Valmorin
Emilio Salvatori
Aristide Caporale
Pasquale Vitiello

Un lugar en el mundo (1992)

Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: Drama

PAÍS:Argentina
DIRECTOR:Adolfo Aristarain
MÚSICA:Emilio Kauderer
FOTOGRAFÍA:Ricardo de Angelis

GUIÓN: Adolfo Aristarain, Alberto Lecchi (Historia: Adolfo Aristarain, Kathy Saavedra)
REPARTO: Federico Luppi, José Sacristán, Cecilia Roth, Leonor Benedetto, Gaston Batyi, Lorena del Río
PRODUCTORA: Coproducción Argentina-España-Uruguay
GÉNERO Y CRÍTICA: 1992- San Sebastián: Concha de Oro / Drama /

SINOPSIS:
Ernesto regresa para pasar un día en el pueblo de su infancia, San Luis, en un remoto valle de Argentina, y así poder recordar las anécdotas y hechos que le convirtieron en la persona que es ahora.

Sus padres Mario y Ana se habían exiliado voluntariamente de Buenos Aires, pero la llegada de Hans, un geólogo español a la búsqueda de petróleo, presagia que la tranquilidad del lugar está pronto a su fin. (FILMAFFINITY)



Una de las más bellas, emocionantes e intensas películas hispanas, de las últimas décadas. La llegada a Argentina de un geólogo español que turba el ánimo de una luchadora familia sirve a Aristarain para hablar, con una franqueza que desarma y una sencillez que estremece, de la justicia, el compromiso, la nostalgia y el deseo. Conmovedora, sincera y realista. Los actores, todos, absolutamente magistrales. (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)


Otra película argentina que me encantó. Me gusta éste tipo de cine argentino, por no tener efectos especiales, ni otras Holliwood-Heces: aquí la historia, la trama es lo que importa.

He conocido a varios exiliados de Argentina, Chile, Uruguay, Perú... también yo fuí exiliado, alguna vez. Curiosamente, cuando llegaron a México, no tenían ésas diferencias entre nacionalidades... aunque insinuaban siempre, que todo funcionaba mejor ¡en su país de orígen! Debe ser el síndrome del exiliado... hice amigos excelentes: la mayoría se repatriaron, pasando un largo tiempo... Jean Loup

Martín (Hache) 1997

Puntos:★★★★
Categoría:Cine
Género:Drama

PAÍS:Argentina
DIRECTOR:Adolfo Aristarain
GUIÓN:Adolfo Aristarain & Kathy Saavedra
MÚSICA:Fito Páez
FOTOGRAFÍA:Porfirio Enríquez

REPARTO: Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Sancho Gracia, Ana María Picchio

PRODUCTORA: Coproducción Argentina-España; Tornasol Films / Adolfo Aristarain

GÉNERO Y CRÍTICA 1997: Goya: mejor actriz (Cecilia Roth) / Drama /

SINOPSIS:
Martín Echenique (Federico Luppi) es un director de cine, natural de Buenos Aires, que lleva más de veinte años viviendo en Madrid. Detesta su país (¿por lo mucho que lo ha amado?), se niega a recrearse en la nostalgia y no se permite un reencuentro con su pasado.

Siguiendo la tradición familiar, su hijo también se llama Martín, pero todos le llaman Hache, por esa letra (H) entre paréntesis que le distingue de su padre y que ha provocado el efecto contrario, al negarle nominalmente una identidad propia.

Hache (Juan Diego Botto) tiene 19 años y vive en Buenos Aires, con su madre. Ni estudia ni trabaja; callejea y toca rock con su guitarra eléctrica. Han pasado cinco años desde la última vez que vio a su padre, pero vuelven a encontrarse cuando, al sufrir Hache un accidente que le pone a las puertas de la muerte quizá deseada, Martín acude de inmediato al lado de su hijo, superando el terror a los aviones y su propósito de no volver a Buenos Aires.

Su ex mujer ha formado una nueva familia en la que no parece haber un espacio ni físico ni afectivo para Hache. La propuesta de ella es que Hache viva con Martín. En Madrid les esperan Alicia (Cecilia Roth), la amante de Martín, una mujer mucho más joven que él y deseosa de derribar las firmes defensas que él ha levantado, para no asumir un compromiso de pareja con ella, y Dante (Eusebio Poncela), el mejor y casi único amigo de Martín.

Dante es actor, pero su verdadero oficio es vivir de acuerdo con lo que piensa. Su mayor placer, es vivir en la cuerda floja. Martín comparte su vida con gente apasionada, pero él no se permite sentir. El que ama, está expuesto al dolor y eso le da pánico. (FILMAFFINITY)


Ésta película argentina, como tantas otras con Federico Luppi, Eusebio Poncela y Cecilia Roth (excelente equipo de actores) me gustó, por tratar temas humanos en forma muy actual. Los diálogos son profundos cuando hace falta, y la actuación de todos está al punto exacto. No es para mojigatos... quizás la no relación entre mi señor padre y un servidor, influyeron algo por ahí... Jean Loup