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Juegos Prohibidos (Jeux interdits - 1952)


Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: Tragedia
Dirección:Rene Clement
Música:Narciso Yepes
Obra maestra, que nos ofrece una cruda visión rural de la Segunda Guerra Mundial, a través de la mirada de dos niños. Obtuvo un gran éxito de crítica y entre el público.

El Oscar y el premio en Venecia, concedido a René Clément por esta película, aparte de confirmar lo ya dicho, son buena muestra del impacto que produjo este filme. La II Guerra Mundial había terminado hacía siete años, pero las heridas de todo un continente, que se había situado no sólo al borde del caos, sino en las mismas fronteras de la autodestrucción, continuaban abiertas. El “neorrealismo taliano” seguía mostrando las secuelas de la brutalidad, sin tener de base ninguna referencia al conflicto; y el cine francés, optaba por el “olvido” a los años de ocupación y centraba todo su potencial, en un cine teñido de negro pesimismo, aunque siempre sin incidir de lleno en los penosos años pretéritos.

Empero, René Clément no quiso plegarse ante estas premisas y centró la temática de Juegos prohibidos, en la verdadera víctima de toda atrocidad bélica: el mundo de la infancia. Mediante las soberbias interpretaciones de los niños protagonistas (Georges Poujouly y Brigitte Fossey) y los acordes de la guitarra de Narciso Yepes, René Clément se adentra en el desconcierto de unos seres, que no entienden qué es lo que sucede a su alrededor, que ven que su mundo se desmorona, que se encuentran solos ante una situación que no tiene fin, que dejan de ser niños a una edad demasiado temprana, para acceder a los traumas de un mundo adulto, que se destruye de manera inmisericorde.



Suena "Romance anónimo", mientras alguien pasa las hojas de un viejo libro. La guitarra suspira, se compadece. Es una canción perfecta para el recuerdo, angustiosa pero esperanzadora. Así comienza todo, así acaba todo.

Junio de 1940.

Centenares de fraceses entre los que se encuentra la pequeña Paulette y sus padres, se dirigen en un desesperado éxodo hacia el sur de Francia. Los aviones alemanes sobrevuelan a este gentío, bombardeando sin piedad el camino. Los padres de Paulette y su perro mueren durante el ataque.

Alguien lanza el cadáver del animal al río y la niña, incapaz de separarse de su perro, decide seguirlo, lo que propicia su encuentro con Michel, un chico de once años hijo de unos granjeros que viven por la zona. Michell lleva a su asustada amiga a casa, donde es bien acogida por la familia Dollé...

Al final...con su corazón roto (todavía de barro...) Paulette, nos deja en la memoria su voz desgarradora, entonando un grito seco, un lamento sincero, una total soledad... "Michel...Michél...MICHÉL..." perdiéndose entre una multitud que ahoga su llamado ···

(así fué mi cotidianidad durante 3 años de postguerra, declarado como criminal gracias a las autoridades de "la liberación", por perder la guerra al lado de mis padres)


Consulten éstos enlaces:

Dersu Uzala (El cazador: Kurosawa, 1975)

Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: de Autor
Título de un libro escrito por Vladímir Arséniev, en el que narra su encuentro con Dersu Uzala, un anciano cazador de la tribu china Hezhen, su relación de amistad y el profundo respeto por la humanidad de Dersu, aunque fuera de una cultura totalmente distinta a la suya. Dersu era nómada y animista, entablaba una relación con la Naturaleza de igual a igual, sin intentar imponerse como hace la Civilización Occidental. Este libro está considerado en Rusia como un clásico.

Dersu Uzala (Дерсу Узала) es, también, el título de una película basada en el libro de Arseniev. De producción soviética y dirigida por el japonés Akira Kurosawa. Fue rodada durante 1974, en los escenarios naturales que recorrieron Dersu y Arseniev, bajo condiciones meteorológicas adversas para la grabación de una película. Ganó un Oscar en 1975 como «Mejor película de habla no inglesa» (bueno: ¿desde cuándo todo debe ser de habla inglesa? ¡carajo!) Ayudó a la difusión en Occidente del libro homónimo. Fue interpretado por Maksim Munzuk.(asegún WikipediA)

Ya en 1961, los rusos llevaron a la gran pantalla, la vida de este peculiar cazador (Dersú Uzalá) nómada, animista, de aspecto simiesco y piernas arqueadas, perteneciente al pueblo nanai, antiguamente conocidos como "golds" de la taiga plagada de bosques de coníferas, entre cedros y pinos del Lejano Este Ruso, entre Siberia y el océano Pacífico; de la mano del cineasta ruso Agasi Babayan y basada en los libros del científico y explorador soviético Vladimir Arsenyev, durante sus viajes (1902-1907) con fines cartográficos a la región de Ussuri, bañada por el río del mismo nombre, que transcurre entre el noreste de China y la citada región del Lejano Este Ruso.

Con el prestigio un tanto tocado sobre todo en su país natal, el extraordinario cineasta, productor y guionista nipón Akira Kurosawa, retoma esta maravillosa epopeya por los edénicos paisajes de la taiga siberiana, azotados de forma inmisericorde en las duras estaciones del otoño e invierno, por unas cruentas condiciones atmosféricas, en donde los expedicionarios rusos comprobaron en carne propia, la verdad universal que el entrañable cazador gold se encargó de demostrarles al paso de los días; que el ser humano es un grano de arena en el esquema del cosmos.

Kurosawa alterna planos cortos con planos largos a su entero antojo, elimina el uso de varias cámaras e incluso el zoom y se centra en visiones panorámicas, haciendo uso en el estudio de diversos ángulos que dieran el aspecto de composición fragmentada, abusando del teleobjetivo como en él era costumbre y narrándonos de manera magistral, elíptica y sin nigún tipo de alarde barroco, en formato 70mm, con diálogos concisos y lacónicos, las maravillosas enseñanzas animistas de este humilde ser humano; espíritus que habitan seres animados e inanimados.

La Bamba, el señor de la jungla es el poderoso y amenazante tigre, a quien él cree haber importunado justo cuando era habitado por el espíritu del Bosque, y en sus últimos días, antes de caer ciego y regresar a morir a su querida Primorsky Krai, vivió obsesionado y crispado (al clasificar el género humano entre gente buena y gente mala) con la idea de la venganza de aquel espíritu omnímodo.

Nos enseñaba además, que el fuego de la hoguera al crepitar nos susurra cosas al oído, que cuando los pájaros cantan, la tormenta amaina y se anuncia el sol.

Dersu aprende constantemente, es de naturaleza buena ("sal, cerillas y arroz para los que vengan detrás...").

Causa empatía y conmiseración contemplar a Dersu en sus días finales, incómodo en la habitación de una confortable casa de ciudad ("La ciudad asfixia"). Y esa fría habitación de huéspedes, en casa de su íntimo amigo Arsenyev, nos parece aún más fría que esas gélidas noches de ventisca en la taiga siberiana, cuando uno debía apresurarse a construir una morada inmprovisada a base de hojarasca.
(OjO: la video te manda a YouTube y ahí lo puedes ver en Pantalla Completa)

Muchas veces me he sentido como Derzú, cuando visito las grandes urbes... como el capitán Arseniev, llegué verde a la Selva centroamericana, a fines de los años cincuenta. Conocí a Samuel, tigrero de profesión y borracho por elección, quien me enseñó a dejarme guiar por la Naturaleza. También viví en carne propia el resultado de matar a un Tigre...(así llamamos al Jaguar en nuestras selvas, cada vez más escasas ...) y no pasó a mayores, porque también es mi Espíritu Protector... vean mi blog !¡ Regalo de Cumpleaños ¡!.

Jean Loup, cazador descalzo entre tanto milUsos ...

¡VIVA ZAPATA! (1952)


Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: Westerns
Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
  Ficha en IMDb
¡Viva Zapata!
Viva Zapata movie trailer screenshot (9).jpg
Marlon Brando en el papel de Zapata.


Ficha técnica
Dirección: Elia Kazan
Guión: Edgecumb Pinchon
John Steinbeck
Música: Alfred Newman
Alex North
Fotografía: Joseph MacDonald
Reparto: Marlon Brando
Jean Peters
Anthony Quinn
Joseph Wiseman
Alan Reed
Fay Roop
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1952
Género Western
Duración 109 minutos
¡Viva Zapata! es una película biográfica de 1952 dirigida por Elia Kazan y donde se narra la vida del líder revolucionario mexicano Emiliano Zapata, según la adaptación que hizo John Steinbeck del libro de Edgcumb Pinchon - Zapata the Unconquerable - dato que no es mencionado en los créditos de la misma. Se trata de un relato ficcioso que parte narrando sus orígenes campesinos, cuenta su llegada al poder al inicio de 1900 y también su muerte. Para dar una apariencia auténtica, Zanuk y Kazan estudiaron las numerosas fotografías que se tomaron en los años de la Revolución, entre 1909 y 1919, en que Zapata lidereó la lucha por la restitución de las tierras que habían sido arrebatadas durante la dictadura de Porfirio Díaz. Kazan quedó impresionado especialmente con la colección fotográfica de Agustín Casasola e intentó duplicar su estilo visual en el filme.

Análisis

En ¡Viva Zapata!, Elia Kazan sigue con la temática preferida: la de personajes que luchan por cambiar su entorno, a menudo inmovilista y corrupto, en pos de una sociedad idílica y utópica. Todo ello envuelto en un cine de compromiso, que tantos problemas le acarrearía en el futuro. En esta película, se analiza el lado más humano, heroico y terrenal del revolucionario Emiliano Zapata.
En esta película, Elia Kazan retrata el México rural de principios del siglo XX y la convierte en una obra lírica tanto a nivel argumental como a nivel estético.

Premios

¡Viva Zapata! obtuvo un Oscar de la Academia al mejor actor secundario (Anthony Quinn). Además, obtuvo tres candidaturas más en los apartados de mejor actor (Marlon Brando), mejor dirección artística en blanco y negro, mejor fotografía en blanco y negro y mejor guión adaptado (John Steinbeck).
Aparte de esto, Marlon Brando ganó el premio a la mejor actuación en el Festival Internacional de Cine de Cannes y en los Premios BAFTA.




el MiLUsos opina:


Como película: una obra maestra del surrealismo; una joya fotografiada en locaciones Zapatistas (Tlayacapan y Tepoztlán entre otras) con excelentes encuadres. Todo un Clásico.

Como biografía: UN ASCO! pésimo maquillaje de Marlon Brando. Comparen el Trailer de arriba con las imágenes reales de Casasola, abajo:

... ni su bigote era delgado, ni su caballo era blanco, ni hablaba inglés, nini...

ORFEU NEGRO (1959)

Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: Clásica

Tenía mis 16 años, cuando llegó Paulette (amiga de mi madre durante la Ocupación Alemana) desde la Françe, para encargarse de nuestra casa, mientras mi madre viajaba por cosas del trabajo. Descubrí que Paulette era una violadora consitudinaria, fanática practicante del Kama-Sutra.

Fuimos a ver ésta Película ... no quise ir cuando supe que era musical: ¡los bodrios hollywoodenses me habían hecho ALÉRGICO a los musicales! Casi arrastrando, Paulette me llevó (yo era su intérprete, pues no hablaba Español 'la pobrecita') y hasta la fecha, ésta Obra de Arte me llega al corazón como ninguna otra.
Comentarios de Wikipedia:

Ganó la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1959, y en 1960 los premios Oscar y Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera.

En 1999, Carlos Diegues hizo un remake de esta película titulado Orfeu, cuya banda sonora fue producida por Caetano Veloso.

En 2005, coincidiendo con el "año de Brasil en Francia", René Letzgus y Bernard Tournois exhibieron en el festival de Cannes su documental "À la recherche d’Orfeu negro" "(En busca de Orfeo negro), que explora la repercusión social que ha tenido Orfeo Negro en Brasil hasta la actualidad. Sobre todo en lo que respecta a la internacionalización del carnaval, la samba, la bossa nova y la obra de Vinicius de Moraes.

En él, ofrecen su testimonio importantes personalidades de la música y la cultura brasileñas; como Gilberto Gil, Milton Nascimento, Carlos Diegues… y el propio Breno Mello, el actor que caracterizó a Orfeo. Éste documental lo rescató del olvido en que vivía pobremente, en una humilde casa de Porto Alegre. Le permitió asistir por fin al Festival de Cannes, donde recibió un homenaje 46 años después de la gloriosa presentación de la película de Camus.

El destino (desconocemos si el de los mitos griegos) determinó que los actores protagonistas de Orfeo negro, Breno Mello y Marpessa Dawn, fallecieran el mismo verano de 2008; si bien él el 11 de julio en Porto Alegre y ella el 25 de agosto en París, casi 50 años después de haber encarnado la relación entre Orfeo y Eurídice en el cine. Tal vez por aquéllo de que a la vida se le antoja emular al arte...

el Callejón de los Milagros (1995)

Puntos:★★★★
Categoría:Cine
Género: Clasica
Es la primera vez que ví a Salma Hayek en el cine; sigue siendo la película que más me gusta de ella. Yo viví en ése barrio de la Lagunilla, fabricando algunas "antigüedades" y restaurando otras. De gran tráfico antropológico, tanto prehispánico como colonial, que surtía casi todos los museos del mundo.

Conservaron el caló del barrio, me gustó mucho ésta adaptación "a la Mexicana" de un libro que nunca he leído. Retrata fielmente la vida mexicana del barrio, antes del "cambio"... antes de una mierda democracia IMPUESTA y por la que NAiDEN votamos nunca.


Barry Lyndon (1975)

Puntos:★★★★★
Categoría:Cine
Género: Drama
Género: sátira social, el lado absurdo de las guerras
Argumento basado en la novela "The Luck of Barry Lyndon" (La Suerte de Barry Lyndon - 1844) del autor William Makepeace Thackeray.

Larga película - dura casi tres horas- del genial Stanley Kubrick, narra el ascenso y posterior caída del joven hidalgo iralndés Redmond Barry, en la alta sociedad inglesa: época de Jorge III.

Basada en la novela de igual título, posee un ritmo lento pero no soporífero, pues las desventuras de este caballero poco caballeroso nos introducen en un mundo de hipocresías y amistades interesadas que hacen de su visión un ejercicio ameno.

Los grandes tópicos de la sociedad que refleja están presentes: la defensa del honor, la doble moral, los matrimonios acordados, el gran abismo entre las clases sociales...

Arropada por una soberbia banda sonora y una fotografía que abusa de manera espléndida de la luz natural, convierten a Barry Lyndon en una majestuosa obra de arte.

Las críticas sitúan a esta película como la mejor de su autor, es decir, en el Olimpo del cine. Si alguna vez el tratamiento de la imagen se acercó a la perfección eso ocurrió con Barry Lyndon. Todas y cada una de las secuencias están rodadas con una elegancia y un sentido del ritmo inusitados. Pocas veces se ha utilizado con tanto acierto la banda sonora en una película. Las habrá que tengan un quión más trabajado o un argumento más emotivo, pero no más belleza. No me canso de verla una y otra vez, una y otra vez..

Los interiores se filmaron a la luz de las velas, necesitando tantas como realmente se usaban en la época. En laboratorio, la película estrenó un nuevo proceso para revelar película en color de muy alta sensibilidad, dando una ambientación entre mágica y romántica.

Una obra de arte: ganadora de 4 Premios de la Academia, magistral interpretación del personaje por Ryan O'neal.

Pros: La historia . La fotografía . La banda sonora . La dirección artística
Contras: Lenta en ocasiones (para algunos celerinos...)